梵蒂冈博物馆3D

2017-07-05 黄薇兮 全国艺术电影放映联盟 原文链接它创立于16世纪初，是最古老的博物馆之一。它拥有超过70000件藏品，其中约20000件在展出中。它每年接待超过600万游客，是全球第六大受欢迎的博物馆。这些数字都属于梵蒂冈博物，它位于罗马西北角的梵蒂冈高地，紧邻着古老的台伯河。

梵蒂冈博物馆

与这些庞大的数字成鲜明对比的，是这部讲述它的纪录片《梵蒂冈博物馆3D》时长仅66分钟。如何在简短的纪录片中像观众介绍这一巨大的博物馆？导演可能也怀着同样的疑问。在影片的开头，本片的旁白，梵蒂冈博物馆馆长AntonioPaolucci教授就向观众抛出了一个疑问：为什么梵蒂冈博物馆（Vatican Museums）是复数，而非单数？馆长的解释是，作为教宗的博物馆，梵蒂冈博物馆从建立之初，就承担起展现人类双手所创造的一切巧夺天工的艺术品的使命，而艺术家们让艺术品从一片混沌之中诞生，某种程度上堪比造物主。然而，比起馆长的追根溯源，我个人认为这个问题有一个更简单更直接的回答，那就是梵蒂冈博物馆真的不止是一座博物馆，而是博物馆群。下图为梵蒂冈博物馆的地图。我们可以一目了然地看出，整个梵蒂冈博物馆由众多的博物馆、展厅、长廊和庭院组成，使用复数的museums是最合适不过的。

解答这一疑问之后，馆长Paolucci教授开始带着我们在艺术品的海洋里漫游。然而，从浩如烟海的馆藏珍品中挑选出若干件在有限的时间里进行讲解，是何其困难的挑战。究竟哪些艺术品能代表梵蒂冈美术馆？大众耳熟能详的作品还需要讲吗？如何讲出新意？3D技术与平面的壁画该如何结合？进入影院前，你也许有众多的问号。走出影院时，你可能已经有了自己的答案。而我的答案是，这部纪录片强调的是梵蒂冈博物馆的两个关键词：古典、包容。关键词一：古典把“古典”作为第一个标签，对已有500多年历史的梵蒂冈博物馆来说丝毫不为过。片中介绍的第一件作品为古典雕塑《拉奥孔》，这是梵蒂冈博物馆最早的收藏之一。早在梵蒂冈博物馆建立的1506年，尤利乌斯二世就收购了此群像。米开朗基罗曾对作品的多个层面表示欣赏，特别是对于肌肉的真实刻画。它表现出了肌肉最用力时的紧绷状态，还有拉奥孔试图违抗既定的命运，承受死亡痛苦时充满感染力的面部表情和姿态。

罗马艺术家，活跃于公元1世纪早期，按照公元前2世纪希腊原件复制，拉奥孔，公元1世纪早期，高：225厘米，大理石

紧接着是另一件米开朗基罗盛赞的作品：《观景台的男性躯干像》。初看上去它残破不堪，并不十分吸引人，但它的珍贵之处在于，这是极少数的希腊原作之一，于1530年前后进入梵蒂冈博物馆。传说尤利乌斯二世曾委派米开朗基罗对其进行修复，却被后者一口回绝，因为他认为这具大理石雕成的生机勃勃的身躯已足够完美。在后来的西斯廷礼拜堂天顶画中，我们也能看出古典艺术对米开朗基罗的不可抹去的影响。

雅典的阿波罗尼奥斯，公元前1世纪。观景台的男性躯干像，公元前1世纪。高：159厘米，大理石

当然，米开朗基罗也在梵蒂冈博物馆留下了自己的雕塑作品：他艺术生涯早期的代表作《圣殇》，完成时艺术家年仅25岁。《圣殇》亦被视为古典派作品，也是米开朗基罗一生中唯一亲笔落款的作品：他在圣母的裙带上刻下了自己的名字。

米开朗基罗·博纳罗蒂，1475-1564年。圣殇，约1498-1500年。高：174厘米，大理石

关键词二：包容身处全世界天主教中心的梵蒂冈，梵蒂冈博物馆很容易给世人留下宗教氛围严苛的印象。诚然，梵蒂冈博物馆一直是宗教博物馆，但它也比大多数人想象中更包容。

梵蒂冈博物馆内景

不止是古典。如果你仔细看了本文最早的那张地图，那么你会发现编号14的陈列馆是现代宗教艺术收藏。在《梵蒂冈博物馆3D》中，Paolucci馆长说博物馆的历史上有一些很重要的日子。其一是《拉奥孔》被发现的1506年，它标志着梵蒂冈博物馆收藏希腊、罗马时期雕塑的开始。其二就是1973年，在那一年里，教宗保罗六世成立了现代宗教艺术馆，使之梵蒂冈博物馆中最年轻的一座。梵蒂冈的现代宗教艺术藏品目前已超过800件，创作年代从19世纪末到21世纪初。不止是意大利。这些现代宗教艺术收藏反映出天主教教会和信仰在全世界的影响力，创作出这些作品的艺术家也是来自各大洲的250多位艺术家。罗丹（法国）、毕加索（西班牙）、马蒂斯（法国）、高更（法国）、保罗·克利（瑞士）等多位大师的作品也位列其中。

保罗·高更，1848-1903年。上十字架，约1890年。62x31厘米，雕刻和上色的木头

保罗·克利，1879-1940年。有哥特大教堂的都市，约1920年。98x74厘米，布面油画

不止是基督教。在这座现代宗教艺术馆中，你能从整体上了解在整个20世纪中，宗教艺术及带有宗教主题的艺术的发展历程。但它的包容性不止是作品的现代和艺术家来源的广泛，更在于艺术家不一定需要信奉基督教。以毕加索为例，这里有他的多件作品，但他信奉的是共产主义。另外，让很多人大感惊讶的是，梵蒂冈美术馆的包容性也体现在收藏其他宗教主题的艺术品。它们大多陈列在教宗庇护十一世建立了民族学博物馆（地图中编号为4）中展出，其中有中国古代的佛教主题艺术品，来自一位不具名的明朝艺术家。

中国明朝艺术家，1368-1644年。大日如来，1368-1644年。木质

这些现当代艺术品和其他宗教的艺术品补充了梵蒂冈古老的艺术珍品，在博物馆古老的房间中，它们之间形成了饶有兴味的对话。Paolucci馆长认为，面对如今全球化的挑战，梵蒂冈博物馆得保持一种“生长”的姿态，这种“生长”不仅是藏品门类的增加，也是博物馆与时代的同步。影片中再次以“圣殇”这一圣母哀悼死去的儿子的主题为例，缓缓呈现了梵高和夏加尔（Marc Chagall）版本的《圣殇》。梵高的《圣殇》创作于1889年，那是他生命的倒数第二年，被困于精神病院，沉迷于德拉克洛瓦的《圣殇》，并以此为原型，创作出属于自己的版本。梵高想从德拉克洛瓦的画中寻找到什么呢？和原版相比，梵高画笔下的圣母有着农妇残破的面容，基督的面目也失去了祥和，而是带上了忧虑与疏离。从他的每一道笔触里，我们都能感受到他的精神状态：急切地想要寻找到什么，以逃离被囚禁者的身份。

德拉克洛瓦（左）和梵高（右）的《圣殇》

1956年，犹太裔夏加尔画出了自己的《红色圣殇》。画中圣母与基督的姿势无疑是来自米开朗基罗的《圣殇》，但画面中鲜红的色彩与纷乱的黑色线条，描绘的却是夏加尔对第二次世界大战的可怕回忆。

马克·夏加尔，1887-1985年。红色圣殇，1956年。布面油画

同样的“圣殇”题材，在几百年间里的，它所能表达的东西也逐渐变得越来越广阔。这是世界与时代的变化造成的，而这些作品同在梵蒂冈博物馆中展出，作品的内涵与外延在生长，陈列它们的博物馆也在不断地生长。话题回到《梵蒂冈博物馆3D》这部纪录片上来。这部66分钟的纪录片究竟能不能代表梵蒂冈博物馆呢？我个人认为，它讲述的角度很有新意，藏品的选择上也下了功夫。另外，这不是一般在“国家地理频道”看的纪录片，而是以3D格式呈现作品美态。大家无需亲自到梵蒂冈博物馆，就可欣赏及“触摸”米开朗基罗，达芬奇等艺术巨匠的作品。假如用普通方式拍摄，栩栩如生的壁画，绝对不会如现在这般维妙维肖。当然，我不能“剧透”太多。更多的体验，需要你走进影院里去挖掘了。作者信息：

黄薇兮

黄薇兮，毕业于清华大学美术学院，曾在广东美术馆和出版行业工作，现在是自由撰稿人，作品见于《周末画报》《时尚先生》等媒体。豆瓣@黄薇兮。

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听说读完的人都二刷了。作者：王继武 全文首发于：全国艺术电影放映联盟 原文链接意大利导演马可·帕尼加尼将3D摄影技术带进梵蒂冈博物馆，让观众借助《梵蒂冈博物馆3D》这部纪录片，近距离全视角地欣赏文艺复兴时代艺术大师们的旷古杰作。在电影院，观众如亲临其境漫步在这座世界上最大的宗教艺术品收藏宝殿里，感受神圣与世俗在艺术中的完美交融。这一艺术之旅的导游是梵蒂冈博物馆馆长安东尼奥·帕卢奇教授，这无论对于博物馆的参观者，还是对于电影观众来说，都是一次难得的审美机遇。

《梵蒂冈博物馆3D》预告片“没有什么比艺术更能让人逃离世界，可也没有什么比艺术更能与世界相联系”。

帕尼加尼以歌德的这句话作为影片的开头语，极为恰当地揭示了梵蒂冈博物馆的与众不同，同时也表明了这部电影的主题。神圣与世俗似乎永远隔着万丈峡谷，但艺术的完美却能在这二者之间搭建一座心灵沟通的桥梁。世俗之人通过这座桥梁感受着神灵，同时又将神灵拉到了世间。神与人的交流就在这完美的艺术中实现。对此观众可以在影片中米开朗基罗在西斯廷教堂拱顶描绘的上帝与亚当的画面中得到印证：被镜头拉近的高清画面让观众看到上帝与亚当的手指凝固在接触前的瞬间，而他们的眼神分明在注视着对方，再加上完美的人体造型，整个画面融为一体，给人以浑然一体的感觉。

为了使 “天主教王国”凭借艺术万古长存，历代教皇不遗余力地收集艺术品，特别是代表西方文化的古希腊和罗马的艺术品。这使梵蒂冈博物馆也成为世界上收集古希腊和罗马艺术品最多的博物馆。也许正是基于这个原因，《拉奥孔群雕》成为导演帕尼加尼介绍给观众的第一件艺术品。《拉奥孔群雕》创作于大约公元前二世纪到一世纪的希腊化时代，创作题材取自希腊神话。这座雕塑以高度的悲剧性激发了人们的想象力，在造型语言上，用歌德的话来评价，是“匀称与变化、静止与动态、对比与层次的典范”，因而被誉为是古希腊的经典雕塑作品之一。不仅如此，《拉奥孔群雕》所揭示的美学意义也为后人所称道。德国启蒙运动时期文艺理论家莱辛就曾在《拉奥孔》一书中做过专论。这件雕塑作品1506年在罗马的斗兽场附近出土，发现时已是破碎不全。在米开朗基罗等人的建议下，当时的教皇儒略二世买回了这件作品，并把它放置在宗座宫殿的“雕塑庭院”里。这个庭院是教皇招待达官贵人的地方，庭院四周廊子里摆设的尽是古希腊和罗马的雕塑艺术品。后来当教皇建立梵蒂冈博物馆时，这个庭院里的艺术品自然成为博物馆的首批收藏品，而《拉奥孔群雕》也成为梵蒂冈博物馆最重要的藏品之一。

《拉奥孔群雕》

在展示雕塑作品时，3D技术充分显示了它的独到之处，通过镜头的推拉，角度的变换，加之灯光的效果，《拉奥孔群雕》在影片中被展示得淋漓尽致，让人感到人物在动，在挣扎，那痛苦而又无奈的表情每一秒都在变化。这已经不是石雕了，而是现实世界中活生生的一幕。影片在展现雕塑作品时给观众带来的独特享受再次在米开朗基罗的《圣殇》上体现出来。这件作品实际上坐落在毗邻的圣彼得大教堂（St.Peter’s Basilica）里。导演不顾地点错误，将其置于影片里梵蒂冈博物馆中。这一决定无论如何评价，都应该肯定导演为观众提供了一个绝无仅有的机会，在近距离和零障碍的条件下观赏米开朗基罗的这件旷世之作。（小编注：在“见所未见”系列中，《罗马四大圣殿》将带您细细品味圣彼得大教堂、拉特朗圣若望大教堂、圣玛丽大教堂、圣保罗大教堂及其藏品的辉煌壮丽。明日杭州百老汇影院将迎来中国美术学院艺术人文学院副院长杨振宇教授映后分享）

《圣殇》

《圣殇》和《大卫》是米开朗基罗两件最经常被人们提到的雕塑作品，通常被认为是雕塑作品中的绝品，其艺术之精湛令其它同类作品难以企及。《圣殇》是米开朗基罗第一件别人花钱订做的雕塑作品。米开朗基罗在1499年完成了这件雕塑，时年他24岁。人们常说这是米开朗基罗的成名之作，实际上他的这件作品在同类作品中已达巅峰。首先，米开朗基罗一反传统，在这件作品没像先前的同类作品那样刻画死亡、痛苦及受难。人们看到的是耶稣死后安详的面孔，由此展现上帝和人之间通过基督的圣洁化所进行的交流。再者，玛利亚年轻的容貌和平静的神态展现了她不为时光所消磨的纯洁和对上帝的虔诚。米开朗基罗的这一创意，给后世的雕塑家甚至画家以启迪，令他们摆脱束缚，充分发挥想象力，最大限度地将本人的情感融入到作品中。

跟随《梵蒂冈博物馆》的镜头抚摸《圣殇》的细节

此外，《圣殇》在艺术表现上所展示的完美更令后人赞叹不已。就拿作品中耶稣那下垂的胳膊来说，其深意难以言表，以致后来的雕塑家和画家还不时通过自己作品中的“断臂”来诠释它在艺术上所包含的意义。

米开朗基罗

米开朗基罗对《圣殇》这件作品可以说倾注了他全部的感情（有人甚至说玛利亚是他按他逝去的母亲的形象雕刻而成）和对基督教的信仰。接到订单后，米开朗基罗亲自前往意大利中部著名的大理石产地Carrara挑选石材。在选中了这块完整的石材后，为了运送到400公里外的罗马，在路上就花了10个月的时间，而他完成这件作品也就是用了一年的时间。《圣殇》完成后立即引起轰动，但人们似乎不认为作品应该是出自这个24岁的年轻人之手。也正是由于这个原因，米开朗基罗在作品上刻下了自己的名字。《圣殇》由此成为米开朗基罗唯一署名的作品。通过电影镜头观众得以近距离地观赏《圣殇》这一作品的细腻之处，无论是人物的面部表情，还是大理石上依稀可见的凿痕，我们都可以借镜头体会雕塑家的匠心。更有甚者，有人说作品人物的面部光洁是米开朗基罗最后用丝绒打磨出来的，此种传神手法现在如不借助电影这一特殊手段则无法鉴赏。

此外，《圣殇》在完成后的一次遭遇也使这部电影成了欣赏米开朗基罗这件作品的最佳方式。1972年，有人手持一把地质勘探用的凿岩榔头在《圣殇》上猛凿，将玛利亚的胳膊敲断了，同时还凿下了玛利亚鼻子的一部分并毁坏了她的眼睛。这个雕像多处被毁，被凿下的岩块散落了一地并被不少游客捡起当作纪念品带走。虽然后来在修复过程中不少人送回了捡拾的岩块，但玛利亚鼻子上缺失的那一块却始终没人退还。修复人员不得不从雕像的背后凿下一块石料用于修补玛利亚的鼻子。从此以后，参观者只能在几米以外的地方隔着防弹玻璃观赏米开朗基罗的这一作品。多亏导演把米开朗基罗的这一杰作用镜头展现在观众面前，使我们能零障碍地从不同角度观赏它。

看得清那块修补的鼻子吗？

帕尼加尼导演接着把镜头转向了达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗等艺术大师的画作。有人可能会问用3D的摄影手段展现“2D”的画作有意义吗？但是，请别忘了，这里是博物馆。导演是将观众带到博物馆的“里面”，使观众能全方位地体验伟大艺术作品带给人在想象力上的震撼和艺术欣赏上的愉悦。在镜头前，观众会有一种置身于拉斐尔陈列室之中的感觉。眼前，《雅典学派》这一巨作一览无余地呈现在眼前，跟着镜头，观众仿佛走近柏拉图和亚里士多德，听听他们正在讨论什么，同时看看他们的前辈苏格拉底对这对师生的话题有个啥反应。从画面的背景里观众仿佛又看到了正在建筑中的圣彼得大教堂，而它的建筑师的面孔却出现在画面中。观众从坐在台阶上略显疲惫的米开朗基罗的身影上可以感觉到他在隔壁西斯廷教堂拱顶的画作就要完成了。是电影把人带进了博物馆，是镜头延伸人们的视野，它不仅使画作呈现在人们眼前，更使整个陈列室、长长的走廊、宫殿般的博物馆、甚至整个古城呈现在观众眼前。

《雅典学派》

电影的高潮无疑是引领观众走进西斯廷教堂去欣赏拱顶上米开朗基罗的画作。尽管题材全部取自《圣经》的故事，但米开朗基罗讲的似乎都是人间的故事，人的完美身体，呼之欲出的情感在画作里无处不见。在这里，观众能最大限度地享受影片所给予的便利。

高高的拱顶被镜头拉到了近前，画作上的每一个细节都尽收眼底。观众因此有机会细细地品味色调的浓淡，人物表情的细微刻画，以及画作整体的波澜壮阔，甚至墙皮细微裂痕给画作带来的沧桑感都明明白白地展示在观众的眼前。这些效果，即使你亲身走进西斯廷教堂也未必能体验到。的确，置身于拥挤的游客中，仰着头去观看那些高高在上的画作，你会感到疲倦，甚至会有一种迷失的感觉。在现场你常常会看到游客手里拿着望远镜试图捕捉画作的精髓，但又不时停下来，活动一下酸痛的脖颈，休息一下似乎失去对焦能力的眼睛。

拉斐尔陈列室和西斯廷教堂拱顶的画作从技术上的角度说其实不是用通常意义上的“绘画”手段完成的。它是一种被称作“湿壁画”的手段。它的操作方法是先在画作的墙壁上抹上灰浆，然后在灰浆变干前将颜料涂在墙上，等灰浆在大约10小时后变干时，画作的颜料已渗入灰浆使它和墙壁成为一体。这种装饰手段的优点是画作能长时间保持完整，而且色彩也能长时间保持鲜艳。观众如今在电影中看到的色彩基本是在本世纪初拉斐尔陈列室和西斯廷教堂修复完毕后恢复的500年前的原始颜色。当然，这种装饰方法也给画家带来了诸多不便，其中最大的不便就是制作要快，且要一气呵成。以西斯廷教堂拱顶为例，它的总面积大约在一千多点儿平方米，基本相当于一个美式橄榄球球场那么大。在作画过程中，米开朗基罗事先设计好草案，然后由他的助手每天在相当于主画面的四分之一那么大的一块墙面上抹上灰浆，接着米开朗基罗开始按事先设计的图案涂抹颜料。其间，一旦发现哪里不理想就得全部铲掉重新来过。四年期间，每日仰着头作画给米开朗基罗的身体造成了终身的伤害。

影片制作精良，视角无微不至。它所带给观众的艺术享受虽然不能替代亲身参观博物馆，但其中许多独到之处就是在博物馆也未必体验得到。这，就是电影的魅力。原文标题：《3D视角中的大师名作》

2017年7月7日-23日，见所未见 As Never Seen Before——意大利辉煌艺术主题影展将为北京、上海、广州、成都、武汉、西安、南京、杭州、沈阳、长春十座城市的观众献上《佛罗伦萨与乌菲兹美术馆3D》、《梵蒂冈博物馆3D》、《罗马四大圣殿》、《米兰斯卡拉歌剧院：奇迹之殿》和《达芬奇：米兰的天才》5部“实况影院”（Event Cinema）佳作。各大票务网站可购票。

豆瓣7.4分，这个分数放在艺术纪录片里不算差，但看完《梵蒂冈博物馆3D》，我真怀疑打分的人是不是被4K分辨率晃瞎了眼。影片号称全球首次用Ultra HD 4K/3D技术进入西斯廷教堂，听起来牛吧？可实际观感——米开朗基罗的《创世纪》被强行分层，亚当的手指像要伸出屏幕，却失去了原作的平面张力。绘画本质是二维艺术，你给它加个Z轴，就跟把蒙娜丽莎做成动图一样尴尬。更别提那些重复镜头——同一幅画的正脸、侧脸、特写来回切，好像导演怕观众记不住似的。我数了一下，拉斐尔的《雅典学院》至少出现了三次不同角度的慢推，剪辑节奏拖沓得让人想快进。观众反馈里提到的“拍摄技术瑕疵”我也注意到了：某些壁画边缘有轻微虚焦，可能是3D摄影机精度不够？而所谓“宏观全景缺失”更是硬伤——你拍博物馆只盯着画框拍，连大厅的穹顶结构都不给个全景，观众怎么知道这些画挂在哪儿？当然，必须承认西斯廷礼拜堂天顶画的呈现确实清晰，旁白男声也专业舒服——但这就够了吗？一部纪录片如果只靠清晰度和语音导览当卖点，那跟在家看高清图册有什么区别？何况这3D眼镜戴着半小时就头晕，画面偏暗，色彩还原也一般。或许这就是为何说到底，这电影是个好创意，但执行走偏了。技术不是万能药，给名画强上3D，就像让贝多芬打碟——震撼归震撼，灵魂没了。7.4分，其中3分给馆长安东尼奥·帕卢奇的解说，剩下的，算是对梵蒂冈博物馆本身的敬意吧。